Как быть последовательным в студийной работе?

Каждый раз, когда я слышу, как играю в студии, я чувствую, что моя игра непоследовательна с точки зрения темпа и динамики, независимо от инструмента (барабаны или гитара).

Я знаю, что могу улучшить свой темп, тренируясь одним кликом, но всегда есть некоторая несогласованность громкости между двумя последовательными ударами или медиаторами. В случае с гитарной записью иногда я могу случайно задеть открытые струны или получить шум.

Как еще я могу улучшить?

Ответы (3)

Те две проблемы, которые вы описываете (неправильные струны и несоответствие громкости/тона), решаются только практикой. Много и много практики.

Это то, что вам может сойти с рук в живом окружении, но они проявляются в студии, где каждая ошибка очень очевидна.

У меня была та же проблема — я люблю выступать, но когда я впервые пришел в студию, я был невероятно разочарован в себе — я звучал ужасно: не вовремя, много ошибок и т. д.

Но решение заключалось в практике — я использовал метроном, чтобы практиковаться в постоянном чередовании игры (это было самой большой проблемой, с которой я столкнулся), и разработал пару сложных последовательностей аккордов, чтобы практиковаться снова и снова с постоянно увеличивающейся скоростью.

Теперь я люблю студию - я всегда хочу совершенствоваться, но мои записи теперь звучат так, как я этого хочу.

Студия — отличный способ потереть нос в реальности, что действительно полезно, но вы также можете настроить себя, подслушивая ошибки. Обращая внимание на свои записи, вы можете улучшить свою осведомленность и чувствительность и научиться распознавать возможности для улучшения во время игры. Эта чувствительность является частью того, что делает великих игроков великими.
Для быстрых частей я предпочитаю увеличивать скорость до скорости, превышающей нормальную, чтобы знать, что потолок выше, чем то, что мне нужно сделать.

Я согласен с доктором Мэйхемом в том, что практика важна для решения основных вопросов, которые вы поднимаете.

Однако с точки зрения динамики между последовательными пиками/ударами вам может помочь некоторое сжатие . Короче говоря, компрессор выравнивает сигнал, ослабляя громкость выше определенного порога. Это обычное дело в любой студии (на самом деле, если вы спросите меня, в наши дни ими злоупотребляют).

Я больше искал ответ о производительности, а не о постобработке записи, но спасибо за понимание. Это может быть хорошим решением, чтобы «исправить» вещи, а не решать их в корне проблемы.
@hazer_drum «вместо того, чтобы решать ее в корне проблемы». Почему не оба? Получите отличную производительность, а затем добавьте отличную производительность. Нет необходимости выбирать одно или другое.

Это сводится к практике, но ключевой вопрос заключается в том, что практиковать и как. Это может быть разным для каждого человека.

Для упражнений записывайте и производите самостоятельно, применяя типичную для стиля музыки постобработку. Сейчас нужное оборудование дешевое, софт тоже дешевый, бесплатных программ тоже много — так что оправданий нет. Это даст вам самую прямую обратную связь о:

  1. каковы ваши конкретные проблемы и какая практика приводит к улучшению. Если вы допустили ошибку, проанализируйте, что вы делаете, и сосредоточьтесь на ее исправлении. Возможно, есть какая-то деталь техники, на которую вы раньше не обращали внимания.
  2. как ваш инструмент звучит в миксе. Когда мы играем на наших инструментах сами по себе, детали, которые выделяются больше всего, могут не совпадать с теми, которые наиболее важны для звучания всей группы. Например, если ваш инструмент имеет большую динамику, а другой инструмент в миксе имеет низкую динамику, большое разнообразие громкости вашего инструмента может показаться несогласованным, даже если он звучит хорошо сам по себе.
  3. как звучит ваш инструмент после типичной для стиля постобработки. Например, если используется сильная компрессия, небольшие динамические несоответствия могут быть совершенно неуместными, в то время как неправильная нота, даже если она будет сыграна слабо, будет усилена и выделена.