Как создавать последовательности аккордов, которые имеют смысл

Отличный вопрос - помню, когда сам много лет назад путался в этом самом, да и вообще поначалу все кажется совершенно случайным. Чтобы ответить на ваш вопрос, нужно немного предыстории:

Исторически сложилось так, что представление о музыке с точки зрения гармонической прогрессии на самом деле стало полностью известным только в последние 150 лет или около того (не очень долго, если учесть последние 2000 лет...). Моцарт выходил из периода барокко, и в то время многие люди думали о музыке линейно - например, вертикальные гармонии являются результатом линейного движения, а не наоборот. Малера и Сибелиуса определить немного сложнее — Сибелиус написал много программной и природно-ориентированной музыки, и благодаря его технике телеологического генезиса можно было утверждать, что по-своему он мыслил линейно (или, возможно, фразами). модули) более чем гармонично, но я отвлекся.

Важно помнить, что помимо упомянутых вами композиторов, многие другие композиторы думали о более широких последствиях ключевых отношений и в результате изобрели бесчисленное количество приемов, облегчающих перемещение между этими отношениями. Эти приемы ( тонизация, модуляция, хроматическая насыщенность ) и многие другие заняли бы слишком много времени, чтобы точно описать их в простом ответе. Но, важно помнить, что они использовали эти устройства, а вы не начали их использовать. Поэтому ваша музыка не будет звучать как там музыка.

Когда мы пишем музыку, у некоторых людей вдохновение приходит по-разному, и оно должно приходить к людям по-разному в зависимости от проекта. Например, если вы пишете песню для своей группы, вы, вероятно, сначала придумаете последовательность аккордов. Однако, если вы настраиваете текст для авторской песни или работаете над сонатой для тубы или чем-то еще, вы, вероятно, придумаете пару понравившихся вам риффов, прежде чем добавлять аккорды.

Мораль: не паникуйте; начни с того, что услышишь первым.

Да, есть некоторые «консервированные» прогрессии. Например:

• I-IV-V7-I
• I-vi-ii6/5-V7-I
• I-vi-IV-V7-I

Многих композиторов (особенно знаменитых) ценили за экономное использование аккордов — они повторяли их снова и снова. Такое использование обеспечило гармоническую согласованность во всей работе и в отдельных фразах.

Замена

Вы можете быть знакомы с весами и клавишами, а могут и не быть. В популярной музыке часто игнорируются клавиши, что может усложнить задачу, если вы хотите собрать вместе аккорды, которые звучат так, как будто они должны сочетаться.

Если вы читаете Поршень (хороший текст, через невероятно сухое), то вы должны знать, что аккорды в мажорных тональностях могут быть представлены каждой ступенью звукоряда следующим образом:

I, ii, iii, IV, V, vi, vii°

В обычной последовательности (например, I-IV-VI) аккорд или аккорды могут быть заменены аккордами, имеющими одинаковые ноты. IV может быть заменен на ii или vi, I может быть заменен на vi или iii, V может быть заменен, например, на iii или vii°. (Следует отметить, что iii — невероятно слабый аккорд, и его нельзя эффективно использовать вместо V.)

каденции

Было бы неплохо узнать о различных типах ритмов и о том, как и когда их использовать. Затем вы можете использовать готовые прогрессии, чтобы направить подчиненные гармонии на каденции и придать вашему произведению движение вперед.

Мой совет

Начните с простой последовательности аккордов и сделайте упражнение, чтобы написать музыку, используя только эти аккорды. Сделайте это во всех 12 клавишах. Как только вы почувствуете себя комфортно, начните время от времени заменять некоторые аккорды более интересными гармоническими вариантами. Со временем вы разовьете свой собственный стиль в отношении того, что вам нравится слышать и как это следует записывать.

Я думаю, само собой разумеется, что существует множество различных подходов к созданию значимых последовательностей аккордов, но я хотел поделиться полезным «трюком», который я узнал, изучая теорию музыки в колледже. Этот трюк не требует обширных теоретических знаний, так что это простой способ начать создавать последовательности, которые хорошо звучат и имеют некоторое представление о том, что вы делаете. Кроме того, позвольте мне начать с упоминания о том, что все готовые прогрессии jjmusicnotes, упомянутые в его замечательном посте, на самом деле следуют этому трюку буквально, так что это действительно изящный трюк, который стоит иметь под рукой. :)

Хитрость заключается в использовании аккордовых движений, которые всегда звучат так, как будто они движутся вперед , и вот эти движения:

• вверх на 2
• Вниз на 3
• До 4-го

Теория, лежащая в основе этого, заключается в том, что ноты с аккордом либо:

• Переход к следующей ноте в гамме (перемещение вперед по гамме)
• Оставайся таким же

Вот пример движения каждого аккорда в тональности до мажор:

До 2-го: до мажор до ре минор

Все ноты (до, ми, соль) в аккорде до мажор перемещаются вверх к следующей ноте в гамме.

C --> D (move up)
E --> F (move up)
G --> A (move up)

Вниз на терцию: до мажор до ля минор

Нота соль в аккорде до мажор переходит к следующей ноте в гамме. Ноты до и ми остаются прежними.

C --> C (stay the same)
E --> E (stay the same)
G --> A (move up)

До 4-го: до мажор до фа мажор

Ноты ми и соль в аккорде до мажор переходят к следующей ноте гаммы. Нота C остается прежней.

C --> C (stay the same)
E --> F (move up)
G --> A (move up)

И, наконец, я упомянул в начале, что стандартные аккорды jjmusicnotes, упомянутые в его посте, следуют этому трюку, поэтому вот разбивка этих последовательностей аккордов (для простоты я опускаю включенные расширения аккордов jjmusicnotes):

I IV V I
- up a 4th
- up a 2nd
- up a 4th

I vi ii V I
- down a 3rd
- up a 4th
- up a 4th
- up a 4th

I vi IV V I
- down a 3rd
- down a 3rd
- up a 2nd
- up a 4th

Попробуйте, и вы обнаружите, что последовательности аккордов, созданные с помощью этого метода, имеют то же ощущение движения вперед , что и все эти последовательности аккордов.

В качестве дополнительного бонуса, если вы ОБРАЩАЕТЕ все эти движения аккордов на « Вниз на 2-й », « Вверх на 3-й » и « Вниз на 4-й », вы создадите прямо противоположный эффект. Вместо того, чтобы двигаться вперед, вы теперь будете двигаться назад . Это дает вам еще один вкус для работы, когда вы хотите его использовать.

Это очень хороший вопрос, над которым бьются все люди, задавшиеся целью писать музыку (в любой гармонической системе, будь то тональная или атональная). Вывод, на котором я остановился на данный момент, заключается в том, что все сводится к озвучиванию.

Я признаю, что не читал текст мистера Пистона (хотя я восхищаюсь его музыкой), но судя по тому, как вы формулируете свой вопрос, я прихожу к выводу, что он излагает гармоническую теорию в обычной вертикальной манере. С технической точки зрения в этом подходе нет ничего неправильного, однако лично я считаю, что такой способ мышления гораздо лучше подходит для анализа, чем для композиции. Вся суть размышлений о гармониях как о вертикальных структурах коренится в мышлении, популяризированном французским теоретиком барокко и выдающимся композитором Жаном-Филиппом Рамо, и с тех пор занимает видное место в аналитической мысли. Эта теория следует представлению о том, что паттерны основного движения баса определяют гармоническую прогрессию. Я верю, однако,

Чтобы получить лучшее представление о том, как работает гармония, я думаю, полезно подумать о ней в ее историческом контексте. До появления барокко, в средние века и в эпоху позднего Возрождения, сочиненная музыка была принципиально полифоническим искусством. Преобладающим способом понимания музыки было несколько голосов, поющих отдельные строки, которые были полностью независимыми, но взаимодействовали друг с другом в гармонии . Каждый голос (альт, сопрано, бас и т. д.) пел в том, что было, по сути, немного более витиеватым пением, похожим на григорианский стиль, который соответствовал общему такту .или пульс. Концепция голосов композиции как отдельных объектов была настолько распространена, что до появления барокко партитуры буквально не существовало. Даже сочиняя пьесы на целых 9 голосов (40 в одном известном случае!), композитор выписывал каждый голос отдельно в свой партбук. Ожидалось, что органисты смогут прочитать 5 мотетов, написанных таким образом, из 5 разных книг с первого взгляда, чтобы претендовать на должность в респектабельной церкви!

Теперь, чтобы связать это с тональной гармонией. Если понаблюдать за развитием полифонической музыки с течением времени, по мере того как голоса становятся более многочисленными, а отношения между ними начинают усложняться, то возникающие в результате гармонические структуры начинают звучать все больше и больше как обычные гармонические прогрессии. Конечно, вся эта музыка в основном носила модальный характер; настоящая мажорно-минорная тональность не появлялась до самого периода барокко, но, по сути, это была своего рода паттернизация общих тенденций в голосовании эпохи Возрождения. Хоралы Баха, наиболее часто анализируемая 4-частная гармония, известная человеку, имеют гораздо больше смысла, если рассматривать их с линейной, полифонической позиции, чем с вертикальной, аккордовой.

Чтобы лучше понять, как писать гармонические последовательности, найдите учебник по контрапункту 16-го века и постарайтесь следовать всем правилам. Сначала это покажется ограничивающим, но я думаю, что это поучительно. Попробуйте написать двухголосный контрапункт с одинаково интересными мелодическими линиями в обоих голосах, затем начните добавлять голоса. Я думаю, вы будете удивлены тем, насколько ваши результаты близки к хорошей гармонии обычной практики, даже не думая о вертикальных структурах.

Конечно, не всякая музыка носит контрапунктический характер, с тех пор как Рамо опубликовал свой трактат, его идеи вошли в общее музыкальное сознание. Большая часть музыки, написанной после него, была хотя бы частично основана на его мышлении. Однако я твердо верю, что величайшие композиторы (среди них Сибелиус, Малер и Моцарт) очень хорошо понимали эту глубокую универсальную значимость ведения голоса, и именно это, я думаю, отчасти способствует удивительной органичности их гармонии. богатое взаимодействие контрапунктического и рамеллианского мышления.

Ведущий голос и хороший контроль напряжения и расслабления, а также осознание течения времени и импульса (все это, по совпадению, не является исключительным для тональной музыки, прочтите учебник по теории Хиндемита и посмотрите некоторые анализы Бартока!) самые важные вещи, которые следует учитывать. Тональные прогрессии не являются и никогда не были целью, а являются следствием того, как люди решали эти фундаментальные проблемы на протяжении веков. Я думаю, что если вы попробуете думать о музыке в этих терминах, вы не только напишете лучшую музыку, но и с большей вероятностью найдете новые и оригинальные способы обращения к ней и создадите более личный и менее надуманный стиль.

Удачи в сочинении!

Отличный вопрос Sketchyfish, и причина, по которой на ваш вопрос еще нет ответа на других форумах, заключается в том, что на самом деле нет четкого ответа. Теорию полезно знать. Я считаю, что это must-have для композиторов.

Хорошие и интересные последовательности аккордов основаны на мелодии. Из вашего вопроса кажется, что вы пытаетесь придумать последовательность аккордов перед мелодией или просто придумать отдельную последовательность аккордов. Не то чтобы этот метод был чем-то неправильным, но последовательности, которые, кажется, проявляются сами по себе, связаны с тем, что мелодия требовала этих конкретных аккордов.

Я очень сомневаюсь, что какой-либо композитор намеренно думает, что я должен играть эту последовательность нот, чтобы я мог разрешить V аккорд. Чаще всего композитор придумывает интересную мелодию, а затем использует аккорды для гармонизации мелодии. Легко наткнуться на некоторые бессмысленные прогрессии, потому что композиторы могут использовать и используют аккорды, принадлежащие очень далекой тональности. С гармонией дело в том, что существует так много способов гармонизировать мелодию и ноту. При гармонизации вы должны решить, хотите ли вы, чтобы мелодия гармонировала с тоникой, терцией или квинтой аккорда, или даже с расширенной нотой, такой как 6-я или 13-я нота.

Я думаю, вам стоит попробовать написать мелодию, а затем добавить к ней аккорды. Начните с самых простых аккордов, принадлежащих тональности, а затем начните использовать аккорды из других тональностей. Например, если вы играете в тональности до-мажор, и ваша мелодия попадает на ноту ре, гармонизируйте ее с аккордом си-бемоль. Bb — это IV аккорд фа-мажора, который очень тесно связан с до-мажором, и он может сделать вашу мелодию более интересной, потому что он содержит ноту ре, которая будет сочетаться с вашей нотой ре, но также содержит си-бемоль, которая не принадлежит в тональности до мажор.

Подводя итог, я действительно не думаю, что такие композиторы, как Моцарт, были настолько методичны, чтобы думать: «Я должен правильно решить это, поэтому мне нужно пробиться к V, сделав этот теоретически правильный отрывок». Я думаю, что они позволили своей мелодии и эмоциям направить мелодию туда, куда нужно, а затем гармонизировали ее интересным образом. На ранних стадиях музыки много проб и ошибок, но со временем вы начинаете развивать слух, и становится легче добиться желаемого звучания.

Чтобы ответить на вопрос плаката, вы должны изучить «квинтовый круг» и принять его как центральную часть музыкально-теоретической композиции. Существует математическая причина, по которой, глядя на «ля» на частоте 440 Гц и работая вниз или вверх оттуда, определенные аккорды в круге восходящих или нисходящих четвертых будут «резонировать» правильно в ухе и обеспечивать «правильность». на барабанную перепонку и нервную систему. Это объясняет понятие «должен добраться до V» в сочинении музыки.

Все аккорды I-XII, даже выше с 13-м и 14-м, по отношению к основному аккорду, могут быть достигнуты в пределах квинтового круга или его производной прогрессии.

Все композиторы будут утверждать, что «артистическая» лицензия допускает атональные и другие прогрессии за пределами квинтового круга — я, безусловно, один из них. Но если слишком полагаться на нее, такая музыка, как правило, будет звучать диссонансно, плохо написана и, хотя и достигает напряжения и решимости, не всегда будет звучать «разумно» или особенно привлекательно.

Я бы сказал, что по математическим причинам, а не по «художественным» причинам, IVI или I-II-VI являются «правильными» последовательностями. Хотя композитор может «играть на слух» или писать «эмоционально» или «с вдохновением», эти человеческие мотивы не меняют законов физики и, следовательно, того, как гармонии образуют последовательность. Хороший композитор принимает эти естественные законы, а не борется с ними и не делает вид, что их не существует.

Конечно, напряжение и решимость можно сфабриковать, например, целые интервалы тонов или просто случайные аккорды. И, как и многие хорошие авторы песен, я думаю, что эти «эффекты» при правильном использовании, особенно для переходов и промежуточных частей, имеют решающее значение для хорошего письма. Но я сомневаюсь, что серьезный композитор вообще откажется от квинтового круга.

Обычно мы начинаем из дома, отправляемся в путешествие и в конце концов возвращаемся домой. Дом — это обычно тонический аккорд: 1 V (доминантная семерка) может вернуть нас домой или в новый временный дом. Таким образом, аккорд до-мажор может привести к его V, G7 и G7 могут указать нам обратно на C. Но вы можете использовать доминирующий аккорд 7, чтобы перенестись куда-то еще. С дома. E7 указывает на новую временную тональность, обычно ля минор. Это то, что происходит в песне «Грузия в моих мыслях». C - E7 - ля минор. Мы можем продолжать путешествовать так далеко от дома, как нам хочется, но... Весь фокус в том, чтобы в конце концов найти дорогу обратно. Пол http://www.learnjazzpianoonline.com