Я неплохо разбираюсь в «правилах» музыки давно минувших дней, традиционных прелюдии и фуги, мотета и четырехголосной гармонии эпохи барокко. В частности, тот факт, что параллельные квинты и восьмерки считались неортодоксальными, тритон аккорда Dominant 7 должен расширяться или разрушаться из-за его нестабильности и т. д.
А как насчет современной тональной музыки? Я играл на своем пианино с последовательностями аккордов, которые нарушают все эти «правила», и если вы простите меня за то, что я рискнул показаться дерзким, я звучу потрясающе! ☺ Итак, когда мы уклоняемся от правил контрапункта 18-го века, чтобы создать современные музыкальные качества, почему это работает сейчас, если это не работало 300 лет назад?
Кроме того, как я узнаю, сработает ли определенная музыкальная идея (т. е. мелодия и сопровождающая ее гармония), если я буду просто записывать ноты, не играя их сначала на фортепиано? Одним из простых примеров может быть «мерцай, мерцай, маленькая звездочка»… используя только аккорды I IV и V, я могу применить бас Альберти, пока правая рука играет мелодию. Обычно это работает, но иногда вкрадывается довольно резкий диссонанс, и я чувствую, что мне нужно упростить мой гармонический паттерн, чтобы заблокировать аккорды, чтобы эти диссонирующие проходящие тона и соседние группы не были очевидны.
Есть ли четкое решение?
А как насчет современной тональной музыки? Я играл на своем пианино с последовательностями аккордов, которые нарушают все эти «правила», и если вы простите меня за то, что я рискнул показаться дерзким, я звучу потрясающе!
Я осмелюсь сказать, что вы делаете! Однако, хотя вы можете нарушать эти правила, вы, вероятно, соблюдаете новые. С течением времени изобретается, представляется и совершенствуется все больше стилей, что приводит к появлению новых правил, которые становятся частью музыкального словаря людей... и становится все меньше и меньше вещей, которые звучат «неправильно».
К сожалению, в преподавании теории музыки часто не удается представить правила новых стилей с таким же энтузиазмом, как и старые, что может создать впечатление, что старая музыка — это следование правилам, а новая музыка — их нарушение, что вовсе не так. действительно дело.
Говоря более конкретно, равный темперамент был довольно важным нововведением, поскольку он позволяет работать большему количеству видов гармонических отношений.
Кроме того, как я узнаю, сработает ли определенная музыкальная идея (т. е. мелодия и сопровождающая ее гармония), если я буду просто записывать ноты, не играя их сначала на фортепиано?
Это может звучать довольно легкомысленно, но так много музыки связано с ожиданиями — установите любой шаблон, который позволяет исследовать пространство в рамках определенного набора ограничений, и вы, вероятно, обнаружите, что некоторые люди обнаружат, что это «работает». , субъективно.
Во-первых, вы не совсем понимаете суть того, о чем говорите. Параллельные квинты и октавы смотрели свысока на контрапункт не потому, что они плохо звучат, а потому, что в контрапункте вы хотите, чтобы все ваши мелодии были независимыми, а параллельные октавы и квинты делают ваши мелодии взаимозависимыми. Доминантный 7-й стал популярным благодаря тритону, а контраст консонанса и диссонанса сделал его очень мощным инструментом для композиторов. Этот предел созвучия и диссонанса с течением времени может быть даже таким, который, если вы достаточно проследуете по пути в истории музыки, приведет к освобождению диссонанса , который в значительной степени является характеристикой атональных идей.
Не существует «одной теории» музыки, есть много, если не бесконечное количество подходов к сочинению и анализу музыки. Однако период обычной практики обычно является базовой отправной точкой любого класса теории музыки из-за того, что корни большей части современной музыки уходят корнями в эту и функциональную гармонию. Вы всегда можете найти контрпримеры, но в большинстве песен, которые вы просматриваете, есть хоть какой-то намек на функциональную гармонию. Это не означает, что функциональная гармония — это единственное, что снова будет работать. Существует множество теорий и стилей, которые вы можете разобрать, вам могут нравиться одни и не нравиться другие, но всем им есть что предложить для сочинения.
Кроме того, как я узнаю, сработает ли определенная музыкальная идея (т. е. мелодия и сопровождающая ее гармония), если я буду просто записывать ноты, не играя их сначала на фортепиано?
Дело не в сочинении мелодии и сопровождения. Любая теория, которую вы изучаете, даст вам представление о том, как гармонизировать мелодию и какие мелодии работают, а какие нет. Просто придерживаясь функциональной гармонии, вы можете гармонизировать любой мажор только с основными аккордами, а с немного более продвинутыми знаниями функциональной гармонии и использованием заимствованных аккордов, неаполитанских аккордов и дополненных аккордов вы можете гармонизировать практически любую мелодию.
Проблема в том, что хотя это может звучать нормально, это не означает, что это работает лучше всего или к чему вы стремитесь как композитор . Это важно и обычно удерживает начинающих композиторов от настоящего продвижения. Вам нужно знать, как что-то звучит и как вы можете использовать это как композиционный инструмент. Тренировка слуха должна дать вам общее представление о том, как записывать то, что вы слышите, и слышать то, что записывается, но, опять же, их много, и чем больше вы будете учиться, тем лучше вы будете.
Все вышеперечисленные ответы верны. Здесь мы можем обобщить: правила, определяющие дозволенное в музыке, эволюционируют как в культурах, так и у отдельных людей. Бах прекрасен внутри и из-за того, что ему не позволено, и Патти Смит тоже.
Вы можете придумать свои собственные правила. Но нет никакой гарантии, что они будут работать для всех или кого-либо еще. Если вы попытаетесь писать без правил, вы получите то, что большинство людей считает периферией музыки или вообще не музыкой:
«Кроме того, как я узнаю, сработает ли определенная музыкальная идея (т. е. мелодия и сопровождающая ее гармония), если я буду просто записывать ноты, не играя их сначала на фортепиано?»
Вы развиваете свое «внутреннее ухо». Незаменимая вещь для любого композитора, аранжировщика и т.д.
Прежде чем появилась гармония Common Practice, был Organum. НЕ использование параллельных 5-х "нарушило бы правила"!
Студенты слишком много беспокоятся о «правилах». Они полезны до тех пор, пока ваши уши и опыт не позволят вам самим судить о том, ослабляет или усиливает определенный выбор нот вашу музыку. Вы слышите, почему параллельная квинта ослабляет богатство гармонии SATB в стиле Баха? Тогда отправляйтесь на IMSLP, найдите «Petites Litanies de Jesus» Габриэля Гровлеза и погрузитесь в них! Но также обратите внимание, как он следует многим из старых «правил» в отношении звуковедения и гармонической плотности.
В каждом музыкальном произведении должно быть что-то такое, что сохранилось до наших дней, чтобы оно оставалось свежим, вдохновенным и достойным сохранения в репертуаре. При всей своей любви к стилю барокко и до-барокко, он не принимает какой-то странной и ужасно ограниченной причуды, заключающейся в записи четырех связанных концертов некоего Антонио Вивальди и явном игнорировании его «других» композиций. Мы можем писать или пытаться писать новую музыку, но что касается ее фактора выживания, я не уверен. Дело субъективное. Вкусы меняются, и в какой-то период другие композиторы приветствовали включение заимствованного материала в свои произведения как норму. Сегодня это подпадает под рубрику плагиата. Как при написании диссертации и копировании и вставке чужой работы. О, Боже!
Ответ 1 - Культура, традиции, эстетика. Музыковеды скажут вам, что упомянутые вами правила гармонии и контрапункта являются специфическим продуктом времени, места и культуры. Они приходят к нам через очень специфические западные традиции создания музыки. Некоторым отдавалось предпочтение перед другими, потому что они звучали лучше или распространялись популярными способами. Если вы посмотрите на то, что осталось от некоторых европейских народных и мадригалических традиций, вы найдете альтернативные «правила» создания музыки с другой эстетикой. Дурацкие четвертьтоновые настройки и дерзкая синкопа. Вы обнаружите, что это разнообразие воспроизводится по всему миру.
Ответ 2. Если вы знакомы с историей классических нет-но, вы наверняка слышали об избегании «дьявольского тритона» и использовании близких гармоний, чтобы избежать так называемых «волчьих тональностей». Эти условности возникли не из-за какой-либо врожденной музыкальной ошибки, а из-за физических ограничений исторических инструментов. Их было трудно настроить, и трудно удержать в гармонии. Если бы вы написали гармонии, выходящие за рамки того, что обеспечивала базовая гармоническая последовательность физики, это просто звучало бы беспорядочно. Но с современными инструментами вы можете использовать гораздо больше атмосферных эффектов, используя с большим эффектом то, что когда-то считалось беспорядочным.
Ответ 3 - Мы с мужем учились на композиторов в музыкальном институте. Искусство слышать и удерживать в воображении то, что вы записываете на бумаге, приходит с практикой. Попробуйте наоборот: потренируйтесь читать партитуры. Слушайте записи и следите за частями. Попробуйте это с небольшими ансамблями и большими оркестрами. Затем посмотрите, сможете ли вы расшифровать то, что слышите в записи. Это было обычным упражнением в наших классах, которое постепенно усложнялось. Со временем ваше слуховое воображение будет лучше согласовываться с вашими способностями к письму. Со временем вы сможете просто читать партитуру и слышать ее в уме (так, как вы слышите слова при чтении книги), а также слышать и создавать свои идеи в уме, прежде чем записывать их.
Мы практикуемся делать это со словами всю жизнь, а не со звуками и образами, а потом удивляемся, когда другие делают так, словно это какое-то колдовство! Это просто еще одна часть вашего мозга, ожидающая своего роста.
PS: Я рад слышать, что вы экспериментируете с музыкальными идеями, которые вам нравятся. :)
Ричард
Дом